Ayer comenzó en Nueva York la quinta edición del Tribeca Film Festival, uno de los más innovadores festivales de los que se celebran en los Estados Unidos y quizás en todo el mundo, comparable al ya demasiado comercial Festival de Sundance. Hasta su clausura el próximo día 7 de mayo se verán muchas e interesantes películas. Este año me han llamado la atención especialmente los documentales, sobre todo ‘When I Came Home’ sobre los ex-combatientes de la guerra de Irak que regresan a su país sin otra salida que convertirse en vagabundos y mendigar para poder sobrevivir.

El otro es ‘The War Tapes’, un documental bastante llamativo y también relacionado con la guerra de Irak. Es la primera vez que se confecciona una película sobre una guerra filmada por los propios soldados que combaten en primera línea. La tecnología de las cámaras digitales lo ha hecho posible. La realizadora Deborah Scranton entregó tres cámaras digitales a tres combatientes estadounidenses de la Guardia Nacional y les enseñó a utilizarlas. El resultado fueron más de 900 horas de guerra real, guerra de trinchera, lejos de los informativos de Fox News o de la CNN. Después de un laborioso montaje quedaron 94 minutos.

Espero poder ver las dos dentro de poco tiempo.

Esta semana, Roberto Rossellini, uno de los grandes maestros del neorrealismo italiano vuelve a los ciclos de cine de Caja España. Tras el ciclo que la Obra Social de esta entidad dedicó a este movimiento de posguerra, vuelve ahora con otro monográfico. El espacio recorrerá cuatro obras maestras del director y un cortometraje documental que analiza el proceso durante el rodaje en España de ‘Sócrates’ (1970).

Las películas que podrán verse son:

• ‘El General de La Rovere‘ (1959), proyectada hoy mismo.
• ‘Fugitivos en la Noche’, el día 18 de abril.
• ‘Roma, Ciudad Abierta’ (1945) y el documental ‘El Lenguaje de Rossellini‘ (1970) el día 19 de abril.
• ‘Rogopag’ (1962), dirigida junto a Jean-Luc Godard, Pier Paolo Pasolini y Ugo Gregoretti, el día 20 de abril.

‘Yo Soy Curiosa’ ha sido recientemente estrenada en cines de toda Europa. Más que estrenada, sería más correcto hablar de reestreno. Tras casi cuarenta años, la película finalmente ha podido estrenarse. En muchos países fue censurada hasta tiempos muy recientes.

Primero hay que decir que ‘Yo Soy Curiosa’ es un film sueco dirigido en 1967 por Vilgot Sjöman, a medio camino entre la ficción y el documental. Lo componen dos partes independientes y paralelas a su vez: la ‘versión amarilla’ y la ‘versión azul’. En cada una de ellas, partiendo de un mismo argumento, se desarrollan temas diferentes. La que nos ocupa hoy es la ‘edición amarilla’.

El film narra la historia de un director de cine decide rodar una película sobre la situación política de la Suecia de finales de los años sesenta. Su principal protagonista es Lena, una chica deseosa de conocer y entender el mundo que la rodea, es víctima de las contradicciones de ese mundo.

Su primera intención es conocer si la sociedad sueca es tan igualitaria, avanzada y próspera como se pretende mostrar al mundo. En esa encuesta, los ciudadanos se muestran apáticos, indolentes y poco comprometidos. Nadie quiere aceptar que la miseria y la marginalidad forman parte también de su mundo, como podrá verse a lo largo de la película (la vida que lleva el padre de Lena o los habitantes de las zonas rurales). La crítica se ceba también con la monarquía y los símbolos tradicionales suecos.

Forman parte también de la película la entrevista con Olof Palme, por entonces ministro, en su propia casa, o la «falsa entrevista» con Martin Luther King.

La situación mundial también preocupan a Lena. Tras manifestarse contra Franco frente a las agencias que venden viajes a España, comprueba de nuevo la indiferencia de los turistas que venían a la península respecto a la dictadura.

En conclusión, ‘Yo Soy Curiosa’ (amarillo), es un producto de su tiempo. Al igual que muchas otras obras de aquellos años, la politización y la experimentación para la creación de algo nuevo eran una constante. Lamentablemente, han resistido bastante mal al paso de tiempo, aunque quedan como un bonito ejemplo del idealismo que no se debe perder nunca.

Dentro de unos pocos días llegará la primavera, y con ella, un nuevo ciclo de cine. Por eso conviene echar la vista atrás para revisar los films que han integrado mi ciclo de cine de invierno. No me gusta poner notas a las películas ni en general a nada, pero sí confeccionar listas. Arriba estarán las películas que más me han impactado, más me han dado que pensar o simplemente me han entretenido y me han gustado.

Ésta es la lista:

1. ‘Primavera, Verano, Otoño, Invierno… y Primavera’ (Corea del Sur, 2003)
2. ‘Hierro-3’ (Corea del Sur, 2004)
3. ‘Paisaje en la Niebla’ (Grecia, 1988)
4. ‘Dolls‘ (Japón, 2002)
5. ‘La Flor del Mal’ (Francia, 2003)
6. ‘Yo te Saludo, María’ (Francia, 1984)
7. ‘Gracias por el Chocolate’ (Francia, 2000)
8. ‘Confidencial’ (Francia, 1997)
9. ‘Zatoichi‘ (Japón, 2003)
10. ‘Hotel Rwanda’ (EEUU, 2004)
11. ‘Madre e Hijo’ (Rusia, 1997)

El cine, digamos «histórico», japonés tiene una larga tradición. Desde los años cincuenta, realizadores como Akira Kurosawa nos han dejado excepcionales muestras del Japón feudal pre-siglo XX. Historias de samurais con toda esa parafernalia y esa puesta en escena tan espectacular. Zatoichi, además del título de la película que nos ocupa, es el nombre de uno de los héroes tradicionales de los dramas japoneses. Un personaje que forma parte del imaginario de los nipones.

Takeshi Kitano dirige en 2004 la historia de Zatoichi, un samurai ciego. Las increíbles hazañas del héroe son narradas con concisión, violencia, con preciosismo, con una puesta en escena espectacular y, en ocasiones, con ironía y hasta humor casi explícito. Aún así, no deja de ser una película «demasiado japonesa», con guiños locales que quizá no entendamos del todo.

Alexandr Sokurov es un cineasta ruso que más que rodar, «pinta» sus películas. Su obra «pictórica» ‘Madre e Hijo’ es una coproducción germano-rusa de 1997. La historia parece desvanecerse más a allá de los paisajes coloridos, pero fríos y decadentes. Más allá de las escenas deformadas y las perspectivas espaciales erráticas encontramos el último paseo de una madre y su hijo, de sus recuerdos, de su estrecha relación, a veces estricta. Todo enmarcado por un cielo tormentoso y una casa en ruinas.

El film es enigmático por parco, en escenas, en palabras y también en metraje (apenas una hora y diez minutos). Nada sabemos del por qué de aquel desenlace, de la vida de ellos. Los planos que nos ofrece Sokurov son secos, aunque quizá deje un pequeño resquicio para segundas interpretaciones. Los personajes más bien sirven de figurantes de una colección de cuadros que no pueden ser enmarcados, ni catalogados. Es cine al límite del cine.

Hablar de cine y de Grecia es hablar de Theo Angelopoulos. Este personalísimo realizador cuenta, en su ya larga trayectoria, con algunas de las mejores obras de cine europeo, como por ejemplo ‘La Mirada de Ulises’, dirigida en 1996 y con la actuación estelar de Harvey Keitel y que formó parte del Ciclo de Cine de Otoño de 2001.

‘Paisaje en la Niebla’ también es una de sus principales obras. Dirigida en 1988, obtuvo el León de Plata al mejor director y el premio FIPRESCI del Festival de Venecia de aquel año. En 1989 consiguió el premio a la mejor película del European Film Awards.

El film cuenta la historia de dos niños que emprenden en solitario un viaje que les conducirá desde Grecia hasta Alemania, donde supuestamente vive un padre al que no conocen. Durante el trayecto sufrirán inumerables contratiempos con el trasfondo de un país decadente, ruinoso y corrupto, nostálgico de otros tiempos mejores. Angelopoulos hace uso de símbolos y metáforas (la mano de piedra gigante rescatada del mar, la compañía de teatro y muchos otros. El viaje es también un viaje de iniciático de los niños protagonistas, que descubren las dificultades y las grandezas de la vida y el mundo.