Llevo uno o dos meses escuchando el último trabajo de Sonic Youth, ‘The Eternal’. He de reconocer que no soy un gran seguidor de esta banda neoyorkina ya que apenas tengo algún disco suelto suyo como el célebre ‘Washing Machine’ (1995), pero coincido con la crítica que este nuevo lanzamiento es muy accesible y se aleja de los interesantes pero áridos devaneos experimentales de tiempos pasados. A la vez han tenido la virtud de conservar su sonido caracerístico, tan fresco y anárquico como siempre.

‘The Eternal’ se escucha de principio a fin sin grandes problemas y parece asombroso que Thruston Moore, Lee Ranaldo, Kim Gordon y Steve Shelley lleven (con pequeñas variaciones en sus miembros) tocando y componiendo juntos desde la fundación del grupo en 1981. Jamás han perdido la perspectiva, siempre han sonado no ya modernos, sino vanguardistas, y triunfando por encima de cualquier moda. No en vano hoy día son admirados y respetados por todo el mundillo indie a nivel planetario.

El disco es, igual que todos los anteriores, una mirada hacia adelante, jamás hacia atrás. En esta ocasión se recuperan las melodías o al menos las rescata para trasladarlas a un plano más evidente. No se olvidan tampoco de los pasajes instrumentales repletos de distorsiones y miles de recursos sónicos. Resumiendo: que va a ser uno de los discos del año. Buscando vídeos (que no tienen muchos, la verdad) me he llevado la sorpresa de que ‘The Eternal’ tiene al menos uno. Se trata del tema que abre el disco, ‘Sacred trickster’:

Hace unas semanas comentaba aquí mi descubrimiento de la revista Billboard en Google Books. También dije que una de las cosas que más me han gustado es el apartado gráfico, especialmente la publicidad, tanto de electrónica de consumo destinada a la música como la propiamente promocional de las discográficas. Se me ha ocurrido hacer un par de entregas dedicadas a ambos tipos de anuncios. He dedicado prácticamente todo el día de ayer a revistar un montón de números de Billboard al azar entre 1965 y 1972 (dos o tres ejemplares de cada año) y a extraer aquella publicidad que más me ha llamado la atención. Por supuesto los ejemplos que muestro aquí no son más que a título de curiosidad.

En el caso de la publicidad de grupos musicales que nos ocupa hoy he intentado que sean bandas conocidas y que además el grafismo sea llamativo. Me he encontrado con muchísima y muy bonita publicidad de cantantes y grupos desconocidos para el público de ahora y que he decidido no incluir por esta razón. Pasan por aquí los Rolling Stones, Jimi Hendrix, Velvet Underground & Nico o Lovin’ Spoolful. Si os ha gustado os animo a que ojeéis vosotros mismos las revistas. Es una pena que no se puedan descargar en PDF ni conseguirlas a una resolución aceptable para hacer un póster, porque muchos de ellos merecen ser expuestos.

Las dos primeras muestras tienen a Jimi Hendrix como protagonista. El primero se trata de una promoción del sencillo ‘Hey Joe’ que aparece en una número de 1967:

Y el segundo en realidad es un anuncio de 1968 de los amplificadores Sunn que utilizó Hendrix en algunos de sus conciertos:

Una de las bandas legendarias e indiscutibles del panorama musical desde hace décadas son los Rolling Stones. Aquí un anuncio promocionando su, por entonces, recién lanzado disco ‘Aftermath’ (1966):

Lovin’ Spoolful quizás no sea un grupo excesivamente conocido, pero en 1966 publicó un sencillo llamado ‘Summer in the City’ que fue un gran éxito y versionado por muchos artistas posteriormente. He aquí la publicidad original de su lanzamiento:

1967 fue la época del despunte de la psicodelia. A nivel gráfico las cosas cambiaron. La publicidad no fue menos y las revistas se llenaron de extraños y barrocos dibujos. Aquí un ejemplo de un festival que ya lo quisieran para sí ahora. Velvet Underground & Nico o The Mothers of Invention entre otros:

Hay bandas y discos a los que merece mucho la pena darles una segunda oportunidad. A veces me pasa que tengo cierta intuición de que un disco me va a gustar si lo escucho atentamente y con calma. Tengo una carpeta donde voy guardando esos discos que no me entran de inmediato pero que creo que necesitan dedicarles más tiempo. Ese tiempo lo suelo sacar de los viajes en bus o de los tiempos muertos en casa mirando las musarañas. Así he descubierdo grandes trabajos y grandes grupos: prestándoles un poco más de atención.

Eso es justo lo que me ha pasado con Grails. Estos chicos de Portland no me decían gran cosa al principio, pero un día repasando discos me puse entero ‘Doomsdayer’s Holiday’ (2008) y me encantó. En un principio lo descarté por ser demasiado «heavy» y «oscuro» (que lo es a veces). Se salía de lo que yo buscaba en ese momento. A pesar de todo incluí una de sus canciones (fue ‘Acid rain’) en Muestra Musical 78. A partir de aquí me olvidé del disco. Hasta ahora. Es verdad eso que dicen de que cada estado de ánimo tiene su música, así que volví a escucharlos en el momento y en estado de ánimo adecuado.

No es fácil definir a una banda como Grails, ni un disco como ‘Doomsdayer’s Holiday’, pero lo podemos meter, así a primera vista, en el cajón del post-rock (o como muchos dirían, del post-post-rock). El álbum está compuesto de piezas íntegramente instrumentales de desarrollo imprevisible y con un toque inquietante. No hay más que escuchar esa especie de alaridos lejanos justo al comenzar el disco. Pero no sólo hay guitarras y alaridos terroríficos, también hay muy buenas melodías y bastantes toques étnicos (escuchad las impresionantes ‘Reincarnation blues’ y ‘Predestination blues’). Me recuerdan mucho a ‘Godspeed You Black Emperor!’ pero sin sección de cuerda. Recientemente han publicado un DVD con videoclips y un concierto, pero a pesar de esto no he encontrado nada decente de ellos en YouTube. Recomendable para amantes del post-rock y de las atmósferas oscuras.

Continuamos con la segunda entrega de este particular repaso sobre mis impresiones sobre lo que ha sido esta década que ahora termina a nivel musical. Si en el primer episodio comentaba y os ponía tres videoclips internacionales, hoy toca repasar la década a nivel nacional. Sin duda, la década 2000-2009 se caracterizará por la consolidación del movimiento independiente. Algunos dirán que maduró, otros que se pervirtió su espíritu y la mayoría, entre ellos yo mismo, creemos que se alcanzó la plenitud creativa con bandas como La Casa Azul, Los Planetas, Lori Meyers, Souvenir y muchos más, que formarían una larga lista.

En la lista de mis 50 canciones nacionales favoritas hay un poco de todo. Sólo repiten dos grupos anteriormente mencionados: Los Planetas y La Casa Azul. En el primer caso con la particularidad de que ambos temas, ‘Santos que yo te pinte’ y ‘Un buen día’ pertenecen al mismo álbum, que no es otro que ‘Unidad de Desplazamiento’ (2000). Un disco que tanto a nivel personal como de repercusión, puedo considerar como uno de los grandes de la década. Y ya que estamos, vamos con el videoclip de ‘Santos que yo te pinte’, que por cierto fue mi segunda canción nacional favorita de 2000:

La Habitación Roja también ha sido una de las bandas nacionales que más momentos de gloria han tenido a lo largo de los últimos diez años. En 2003 publicaban ‘4’, para mi gusto su primer gran trabajo y en el que endurecían acertadamente su sonido. De entre aquellos temas destacaba sin lugar a dudas ‘La Edad de Oro’, una canción sobre la Movida entre la nostalgia y la denuncia. Todo se vende y se compra y muchos artistas de la época se han prostituido (supongo que de ahí viene la temática del videoclip). ‘La Edad de Oro’ fue mi tema nacional favorito de 2003:

Nacho Vegas es otro de los indiscutibles de la década indie nacional. Su disco doble ‘Cajas de Música Difíciles de Parar’ pasa por ser su obra más inspirada y donde vemos al Nacho Vegas más puro, con todas sus referencias literarias, musicales y cinematográficas. El álbum completo forma un fresco excepcional donde los personajes son los protagonistas de sus canciones. Pero, a pesar de todo, el tema que he incluido en la lista de mis 50 favoritos no es de ‘Cajas de Música Difíciles de Parar’ (2003), sino de ‘Desaparezca Aquí’ (2005). Se trataba de un álbum menor pero que contenía esta pequeña maravilla titulada ‘El hombre que casi conoció a Michi Panero’ y que fue mi canción nacional favorita de 2005:

Por último cambiamos completamente de tercio con Cecilia Ann, una banda de corta vida pero que nos dió algunos buenos temas, sobre todo de su disco ‘Suenacuento’, lanzado en 2000. ‘La mujer pez’ es una de esas canciones perfectas de pop donde además no canta Arturo sino Estrella, muy bien por otra parte. El vídeo además de ser muy vistoso marcó un antes y un después. A mi siempre me gustó mucho:

Hay dos hechos que he estado observando últimamente y que nos dicen algo sobre lo que la (si nadie lo remedia) próxima a extingir industria musical. La venta de discos físicos sigue cayendo en picado. Como ya comenté aquí una vez hace tiempo, cada vez se venden menos discos. Las últimas filtraciones sobre ventas de discos en España nos hablan de que la pasada semana el más vendido consiguió colocar algo más de siete mil copias (el nuevo de Pereza) y los cuatro siguientes apenas suman los cinco mil. Todo esto, como según cuentan en Je Ne Sais Pop, contabilizando en algunos casos como copias vendidas aquellas que fueron distribuidas en su día a los puntos de venta pero que el usuario aún no ha comprado.

Yo, que he vivido hace años el despegue, el pleno auge del CD y también la angustia de no poder comprarme todos los discos que quería por tener el precio prohibitivo de 2.995 pesetas por ejemplar, ahora estoy saboreando la venganza porque tengo todo lo que quiero y gratis total. Porque (seré un antiguo) todavía se me hace raro pagar por contenido digital intangible en un formato que no sé si dentro de veinte años voy a poder reproducir o si me tocará volver a comprarlo. Y no creo que nunca lo haga. Ya que pago, prefiero tener el disco con su cajita, que por lo menos adorne en el salón, aunque luego la copia que escuche en el iPod o en el ordenador sea en formato MP3.

En este sentido, ayer Apple presentó un nuevo formato. Lo han llamado iTunes LP y viene a ser como un álbum de música, con su carátula, sus fotos, sus letras, pero con contenido adicional, como vídeos. Hasta aquí la idea no parece mala. Pero como suele ser habitual, se trata de un formato completamente cerrado. El paquete se compra como una unidad y no podemos extraer parte del contenido ni, por supuesto, gestionarlo con otro software que no sea iTunes. Tampoco copiarlo en reproductores que no admitan este contenedor. Dicho esto, el iTunes LP me huele a fracaso por su poca vocación de «universalidad». A mi por lo menos no me ha convencido.

Por otra parte, otra de las noticias de esta semana relacionadas con la industria musical y su intento de salir a flote es la publicación de toda la discografía (sí, otra vez) de los Beatles, remasterizada a partir de las bobinas originales y convertidos a estéreo aquellos temas que aún no lo eran. Más de lo mismo. Los discos ya se venden a casi 20 euros por unidad (el ‘White Album’ a casi 30 por ser doble) o los 12 en un estuchito (lo han llamado The Beatles Stereo Box Set) por unos 250 euros. En definitiva, aproximadamente los mismos precios de 1997, cuando yo me compré el ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’. ¿No os parece esto un abuso para unos discos que han vendido millones de copias a lo largo de cuarenta años?

A este respecto, la industria musical también presiona al poder político europeo en cuanto a los derechos de autor. Con la legislación actual, las primeras canciones de los Beatles, publicadas en 1962, pasarían al dominio público en 2012, con lo que perderían una gran tajada. El Parlamento Europeo votó (y aprobó) una propuesta para aumentar de 50 a 70 años la vigencia de los derechos de autor. Esto ocurrió a finales de abril de este año, con lo que actualmente no sé como estará la cosa. En conclusión, al final no son más que maniobras desesperadas de la gran industria del disco que no ve luz al final del túnel, sino más bien su propia tumba…

La Casa Azul nunca dejan de sorprender. Lo último es que acaban de publicar un nuevo sencillo, ‘La Nueva Yma Sumac’, o bueno, habría que decir que se trata de un álbum en toda regla con catorce temas, entre los que hay canciones nuevas, versiones en directo y en otros idiomas, y dos pistas de vídeo con las dos versiones del clip del tema titular, uno en castellano y el otro en ¡japonés!. Lo cierto es que después de los sencillos de (la casi eurovisiva) ‘La revolución sexual’ y ‘Esta noche sólo cantan para mí’, el tema elegido para esta siguiente entrega no es de mis favoritos. Aunque después de ver el videoclip las cosas cambian. Os lo recomiendo por que es muy diferente de todo lo que hemos visto por estas tierras en los últimos tiempos. La pieza es obra del estudio de animación DuprezDolores. Aquí os dejo la versión en castellano:

Y ya que estamos con el tema de los videoclips de La Casa Azul, me he encontrado un reportaje de MTV España sobre este asunto, con entrevistas tanto a Guille Milkyway como a Domingo González, director de todos sus vídeos menos este último. Muy interesante, sobre todo la segunda parte si sois aficionados a la posproducción de vídeo como yo…

Esta es la historia de cómo dos chicas, Mayte y Paloma, alcanzaron el número uno de las listas del Reino Unido y fueron a finales de los años setenta el colmo de la sofisticación discotequera. Porque la historia del dúo Baccara es tan desconocida como sorprendente. Di con este asunto buscando cosas que nada tenían que ver, pero, como digo siempre, unas cosas llevan a otras.

Corría el año 1977. Mayte Mateos, logroñesa, y María Mendiola, madrileña, tuvieron la fortuna de encontrarse cuando actuaban en salas de fiestas de poca monta con gerifaltes de la RCA alemana en Tenerife. Leon Deane, Fred Dieckmann y Patrick Krevitz las invitaron a visitar Hamburgo para grabar con el compositor Rolf Soja un tema llamado ‘Yes Sir, I can boogie’. El sencillo pasará a los anales de la música (¿española, alemana?) por convertirse en uno de los hits más populares en media Europa e Israel. De hecho fue la primera vez que un artista español alcanzaba la cima de las listas británicas (Los Bravos fueron número dos con ‘Black is Black’ en 1966). Ocurrió el 29 de octubre de 1977. En total vendieron nada más y nada menos que 16 millones de copias de este tema.

Pero aquí no acaba todo. En 1978, Baccara representaron a Luxemburgo en el Festival de Eurovisión con el tema ‘Parlez-vous français?’ y recibieron la máxima puntuación de España entre otros. Curiosamente, aunque la canción quedó en séptimo lugar, fue el sencillo más vendido de todos los participantes en aquella edición y fue un bombazo en los países nórdicos. Pero después de un ascenso fulgurante vino el descenso, la decadencia. Tras diferencias con sus siguientes lanzamientos discográficos, en 1981 el dúo se separa para formar nuevas parejas, ya sin el éxito de antaño.

Vamos con los vídeos. El primero es, por supuesto, el de ‘Yes Sir, I can boogie’. Seguro que la habéis escuchado alguna vez. Hoy puede sonar algo horterilla, pero no deja de ser una gran canción:

Y su actuación en el Festival de Eurovision de 1978 en París, con ‘Parlez-vous français?’: