A menudo visitamos en rmbit cinematografías de países lejanos o exóticos como Taiwán, Irán, Afganistán o Eslovenia. En esta ocasión rizamos el rizo con la primera película originaria de Mongolia que tengo ocasión de ver. La realizadora Byambasuren Davaa está dando a conocer la vida tradicional de su país a través de sus trabajos. Aunque residente en Alemania, Davaa se traslada hasta las estepas de su tierra natal para rodar unos largometrajes que tienen casi más de documental que de ficción. De hecho, la familia protagonista de ‘El Perro Mongol’ (2005) (rara traducción, porque su título debería ser ‘La Cueva del Perro Amarillo’) son actores aficionados que posiblemente sólo lo hayan sido para esta ocasión.

‘El Perro Mongol’ narra la historia de una familia de pastores nómadas que se desplazan por las amplias praderas de los valles de Mongolia. Su modo de vida, amenazada por la llegada del progreso y la irresistible llamada de la gran ciudad, es duro y complicado. El aislamiento entre los poblados y la escasez de seres humanos hace que la relación con los animales sea algo natural y que los más ancianos cuenten leyendas sobre ellos en las que se mezclan las creencias budistas sobre la reencarnación y las animistas.

La gran baza con la que juega Byambasuren Davaa son los niños, que son los que realmente establecen la complicidad con el público y arrancan más de una sonrisa. Porque ‘El Perro Mongol’, a pesar de todo, es una película amable y simpática y que elude siempre cualquier atisbo de dureza. Y no sólo eso, sino que esa amabilidad no resulta en ningún momento impostada. Esa es otra de las claves de la película: la naturalidad. No hay nada a lo largo del metraje que nos haga pensar que lo que estamos viendo no es un documental. Como guinda quería referirme a la estupenda fotografía, aunque con esos paisajes no es difícil… Os la recomiendo.

Muchos piensan que la vanguardia audiovisual es reciente y que es fruto de la cultura de la imagen en la que vivimos. Uno tiene que replantearse algunas de estas creencias cuando descubre trabajos como el ‘Poème électronique’ que realizaron conjuntamente el compositor de música contemporánea Edgar Varèse y el archiconocido arquitecto Le Corbusier en 1958.

Sí, 1958, cuando aquí en España nadie tenía televisor y el color, más que para experimentar, era para usarlo en las superproducciones de Hollywood. Esta pieza fue ideada para el pabellón Philips (por cierto, impresionante edificio diseñado por Le Corbusier y Iannis Xenakis) de la Exposición Mundial de Bruselas de aquel año. Durante su exhibición en el evento se colocaron 425 altavoces por todo el pabellón que acompañaban a la proyección.

La temática de ‘Poème électronique’ combina elementos de todas las épocas, símbolos, imágenes impactantes e icónicas de forma que generan en el espectador diferentes sensaciones. La pieza está dividida en siete partes claramente diferenciadas. Es una síntesis del arte, de la historia, de la tecnología que funciona como una máquina de ritmo perfecto. Como algunos expertos han dicho, puede considerarse como un precedente del pop art, de la psicodelia y, por supuesto, del videoarte.

Que Europa camina con paso firme hacia una cada vez mayor interculturalidad no es ningún secreto. Gentes de todo el mundo acuden al viejo continente para ganarse la vida, trayendo consigo sus culturas de origen. Muchas veces esa convivencia en el país de acogida no es fácil y en otras produce historias como la que trata Fatih Akın en ‘Al Otro Lado’, una producción germano-turca realizada en 2007. El propio origen de Akın está, al igual que el de otros muchos alemanes, en Turquía.

La historia de ‘Al Otro Lado’ es una historia que se narra a partir de las muertes que sufren los personajes protagonistas y entre las que pivota todo el argumento. Un profesor de universidad alemana de origen turco, su padre, una prostituta turca, su hija activista que lucha por los derechos humanos en Turquía, la amiga alemana de ésta y su madre. Todas estas vidas se entretejerán hasta componer un puzzle con el denominador común de la integración, tanto de los turcos en Alemania como de los alemanes en Turquía.

A Fatih Akın se le pueden reprochar algunos aspectos. Me ha resultado una película algo fría, con una puesta en escena excesivamente aséptica y encorsetada, bien desarrollada, pero con un argumento forzado y difícil de creer. El tema de los saltos temporales y de las vidas cruzadas me ha parecido poco original y previsible. Aún así el resultado es entretenido y sus dos horas de duración se hacen amenas. ‘Al Otro Lado’ obtuvo el galardón al mejor guión en el Festival de Cannes de 2007.

El cine británico tiene ya una larga tradición acerca de los temas sociales. Desde los tiempos del free cinema de Tony Richardson, el desarraigo, la orfandad, la violencia, la explotación ha tenido cabida en la cinematografía de las islas. En muchas ocasiones, estos argumentos tienen un fuerte carácter generacional, de defensa de una identidad propia y genuina. En ‘This is England’ nos encontramos con un ejemplo de manual. Dirigida en 2006 por Shane Meadows, se trata de un film duro que destruye estereotipos sobre el movimiento skin, sobre todo visto desde España.

Corre el año 1983. Shaun es un chico de 12 años que vive en un barrio obrero marginal con su madre. Su padre ha muerto recientemente en la guerra de Las Malvinas. Cierto día se encuentra con unos skins con los que rápidamente entabla amistad. Todo va bien hasta que un viejo amigo de uno de ellos, Combo, sale de cárcel. En seguida sus ideas nacionalistas y racistas provocarán una brecha insalvable en el grupo.

Meadows traza un fidedigno retrato de la tribu de los skinhead y de la sociedad fracturada que los rodea. Lejos de maniqueísmos, demagogia y malentendidos plantea la dolorosa ruptura ideológica entre los sharp skins (de izquierdas y antirracistas) y los nuevos skinheads (violentos y de extrema derecha). Pero a pesar de esta polarización cada vez mayor, el espectador acude también a una narración cuyos personajes están repletos de contradicciones y de matices que los hacen creíbles. El trasfondo que el director ha elegido es el de la guerra de Las Malvinas. Para nada es casual e invita a la reflexión sobre lo absurdo de la violencia institucionalizada que suponen los conflictos bélicos. Una interesante contraposición frente a la violencia marginal de barrio. Ambos producen, a la postre, una desestructuración social que sólo conduce al dolor y al odio.

Cualquier blog ultra-friki, de cultura basura, de serie Z o como lo queramos llamar que se precie ha tenido que dedicar uno de sus posts a una película de título ‘Dünyayı Kurtaran Adam’. Dicho así, a nadie le dirá nada. Ni siquera si hacemos la traducción del turco al castellano (’El Hombre que Salva el Mundo’) nos dirá nada. Dentro de los círculos trash se la conoce como el “Star Wars turco” por su plagiante parecido con la saga de George Lucas.

Durante décadas, el cine comercial turco se alimentaba de estas versiones locales cutres de los grandes taquillazos del cine de Hollywood. El “Star Wars turco” es, por tanto, sólo la punta de iceberg. Por ejemplo, de aquella misma época data ‘Badi’, también conocido como el “E.T. turco”, o ‘Seytan’ (”El Exorcista turco”). Según he leído por ahí, la autarquía cultural en la Turquía de aquellos tiempos hizo que los productores locales idearan estas versiones patrias para regocijo de turcos y extranjeros.

Es relativamente fácil conseguir la película a través de descarga p2p. Yo la tengo y le he echado un vistazo rápido, pero sin enterarme de nada. Sólo puedo decir una cosa: es posiblemente la película más descaradamente mala que haya visto nunca y hace que Ed Wood parezca Stanley Kubrick. Lo de descarado viene de la afición por el plagio. ‘El Hombre que Salva el Mundo’ tiene escenas cortadas y pegadas de la Star Wars auténtica y muchos pasajes de su banda sonora son también plagios de otras superproducciones norteamericanas.

Cosas de internet: después de pasar sin pena ni gloria durante alguna década de otra, ahora la red está plagada de referencias a esta obra de culto del cine basura. No hay más que buscar por Google o por YouTube turkish Star Wars para darnos cuenta de ello. Así es como he encontrado estos vídeos:

Y no nos podemos olvidar de ‘Badi’, el “E.T. turco”:

A veces a uno le cuesta imaginar que hay algo más allá de la política o de la comedia en el cine italiano de hoy. Todos conocemos a gente como Nanni Moretti o Marco Bellochio, pero no a Gianni Amelio. Lejos de la fama internacional, el cine de Amelio es sencillo, honesto y sin concesiones. Al menos así es ‘Las Llaves de Casa’ (2004).

No podemos llamarla “cine social” con las connotaciones tradicionales de este tipo de películas, pero se puede intuir un trasfondo de crítica a la sociedad de hoy, donde todo lo que no se ajusta a lo que se considera “normal” se esconde o se maquilla con eufemismos o falsos sentimientos. En ‘Las Llaves de Casa’ esta crítica esta implícita en algunos momentos del film.

Paolo es un chico de quince años con daños cerebrales y físicos a causa de un parto traumático. Su madre murió en aquel trance y su padre Gianni lo abandonó al saber que no sería un niño como los demás. Pero cierto día, Gianni decide hacerse cargo de Paolo para llevarlo a un hospital alemán para seguir un tratamiento de rehabilitación. Durante su estancia allí ambos establecerán una relación peculiar, indefinible y compleja. Por un lado no sabemos si el sentido de culpa de Gianni es lo que le hace desvivirse por Paolo o si de verdad está arrepentido por haberlo abandonado al nacer.

Las cosas en ‘Las Llaves de Casa’ son tal cual y no suceden por ninguna razón especial. Hay escenas incómodas, cómicas, sentimentales, todas ellas interpretadas magistralmente por Andrea Rossi (el chico que interpreta a Paolo). Esa es su principal baza. Y la otra la capacidad y el talento de Gianni Amelio para no caer en tópicos ni en escenas lacrimógenas innecesarias. También merece la pena destacar la participación estelar de Charlotte Rampling.

De nuevo Alexandr Sokurov. He visto la última película del realizador ruso de ‘Madre e Hijo’ o ‘Moloch’. Precisamente ‘Aleksandra’ (2007) tiene mucho de ambas. De la primera recoge la peculiar relación familiar, aunque esta vez es de nieto a abuela y de la segunda hereda la estética sofocante de tonos ocres y viviendas ruinosas y sombrías. El maestro Sokurov sabe como muy pocos expresarse a través de los gestos y miradas de sus personajes, obviando lo que es obvio. Consigue montar una historia sobre guerra donde sólo aparecen sus aspectos colaterales: la destrucción, los soldados, las armas… pero no aparece la violencia. Es más, el supuesto país enemigo (referencia implícita a Chechenia) no es más que un cúmulo de ancianos y niños amigables y hospitalarios que viven en condiciones infrahumanas.

Aleksandra es la abuela de un capitán del ejército ruso destacado en zona de guerra. Esta extraña visita le servirá para conocer el modo de vida en un campamento militar. Poco a poco adquirirá la conciencia de lo absurdo de la violencia y el confrontamiento. A la vez se dará cuenta de que su nieto no es como ella pensaba, es ruin, miserable y desorientado, tanto como los jóvenes soldados que tiene a cargo. A veces parece que el enemigo no está fuera, sino que la desconfianza larvada entre ellos podría desencadenar una desgracia.

Uno de los aciertos de ‘Aleksandra’ es mostrar un aparente estado de calma, una tranquilidad casi absoluta, una rutina sórdida y silenciosa. Sólo de vez en cuando se ve un helicóptero lejano o una ametralladora lejana. La apología del pacifismo que hace Sokurov es bastante evidente a lo largo de toda la película. Las figuras de la abuela y el nieto militar son gigantescas metáforas de la conciencia del pasado irremediablemente condenado a repetirse y de la sinrazón de la guerra.